Into the void ~ Tim Eitel

Tim Eitel fue uno de mis descubrimientos del año pasado. Lo que más me interesa de este artista es la capacidad que tiene de envolver a sus personajes en una atmósfera de silencio, es como si fuese capaz de por medio de una aparente calma crear una tensión interna que va más  allá de lo que se ve a simple vista. Tuve la suerte de ver un par de obras en directo, y lo que más me impacto fue esa mezcla de simpleza y complejidad. Ese vacío que rodea a sus personajes que parecen solos en un espacio demasiado grande para ellos.

Sus tonalidades frías y el hecho de que en pocas ocasiones se vean rasgos faciales en sus personajes provocan en su obra un aire de misterio, un aura de intrigas, pero al mismo tiempo, es sobrecogedor la sensación de aislamiento que provocan. Cómo estamos solos en la inmensidad del universo.

Su capacidad de descontextualizar elementos cotidianos, aislándolos de una realidad narrativa los dota de una especie de halo de no pertenencia, de un vacío existencial que lo cubre todo de silencio.

Escuchando: Lady of the flowers ~ Placebo

Shadow of daydream ~ Ghenie

Adrien Ghenie es un pintor rumano cuyos trabajos demuestran su fascinación con la historia y el trauma de la dictadura. Las fuentes de sus imágenes derivan de una combinación de su propia memoria junto con libros de historia, archivos, documentales y películas. 

Por medio de estas fuentes, Ghenie crea sus densas pinturas de varias capas. Tras hacer una selección de imágenes de estos diferentes modos de representación, crea collages con imágenes impresas que son trabajados después con la pitura. 

Creador de atmósferas claustrofóbicas, y opresivas. Independientemente de su capacidad de crear las diferentes texturas de cada elemento que integra la obra, lo que más me interesa de Ghenie es su uso de las luces y las sombras. Cómo por medio de la oscuridad oculta partes del cuadro otorgándoles un toque misterioso. Es quizás el autor más denso de los que aquí presento, denso en el sentido de su pintura. En cualquier caso, es también el punto inquietante de sus obras, esa sensación de que algo está pasando, lo que me atrae de Ghenie. 

Escuchando: Ask for answers ~ Placebo

Naked but safe ~ Eric Fischl

Uno de esos artistas de interiores que más me han llamado la atención últimamente. De estética similar a la de Hopper y una importante carga sexual, sus imágenes se me presentan como esa especie de desmoralización del cuerpo humano. De la corporalidad del mismo, de una lectura cargada de un erotismo perverso, que en momentos raya la obscenidad. Si bien sus primeras obras están cercanas a la  abstracción, a partir de 1976 introduce elementos figurativos, derivando a finales de los setenta hacia un estilo realista de fuerte carácter expresivo. Su temática como he dicho con anterioridad, se centra principalmente en la sexualidad, con abundantes representaciones de cuerpos desnudos, en actitudes eróticas, pero con cierto aire enigmático, angustioso, opresivo, lo cual queda enfatizado por su gama cromática apagada, grisácea, con una iluminación de extraña intensidad que acentúa el estilo expresivo de sus obras. Así, Fischl llama la atención sobre la desvirtuación de los valores morales en la moderna sociedad norteamericana. 

Escuchando: Open your arms ~ Editors

Sex, drugs and...german stuff? ~ John John Jesse

A pesar de que no tenga mucho que ver con la temática principal de mi proyecto, mi parte más leve de este tiene un fuerte carácter dibujístico y quizás no sea un referente directo, pero no por ello se convierte en menos interesante, y puesto que viendo como van derivando mis intereses hacia un reencuentro con el dibujo, Jesse no alguien que descarte.

Sus temas de sexo, drogas y punk rock siempre me han resultado tremendamente atractivos, y sospecho que autores como este son los que provocan los conflictos entre mis cuadros y mis cuadernos, en cualquier caso, esa tensión puede resultar perfectamente positiva.

Dejando el tema a parte, unos cuantos dibujos de este maravilloso ilustrador

Aquí dejo un link a su web --> http://www.johnjohnjesse.net/site/main.html




Escuchando: Dirty Boots ~ Sonic Youth

La hegemonía de las palabras ~ Nauman

A decir verdad, mi interés por los textos surgió de los neones de Bruce Nauman. Me llamaron especialmente la atención, por el hecho de que el texto cobraba una entidad propia. La ironía y el doble sentido se hallaba en relación con la frase o palabras que el artista decidía crear con neones y la disposición de los mismos captó mi interés cuando miraba recelosa cualquier arte que se saliese de la pintura o el dibujo. Sí, podría decirse que poco a poco, tras ver esas obras, la influencia que ejercían esos textos sobre mí de manera subliminal acabó por emerger.

En cualquier caso, dejo aquí unas de las obras que más me interesan de Nauman

Escuchando: Inefable me ~ Sonic Youth

Beyond Twilight ~ Crewdson

Las fotografías de Gregory Crewdson muestran el mundo fundamentalmente idílico de la América rural y sus pueblos como un sueño cinematográfico lleno de elementos oscuros y enigmáticos. Sobre la base del texto de Freud sobre lo siniestro (Das Unheimliche) Crewdson crea complejos y detallados mundos visuales en los que utiliza la iconografía del paisaje y los suburbios estadounidenses como metáfora de sus neurosis, miedos y anhelos.

Lo inexplicable, que desempeña un papel imprescindible en sus obras se manifiesta por medio de la representación de una naturaleza indomable dentro de una civilización que se ha convertido en una entidad frágil e incomprensible. Este gran profesional, es famoso por sus fotografías surrealistas sobre los suburbios de Estados Unidos. Escenas ficticias que él diseña concienzudamente – con todo lujo de detalles – para construir visualmente la sensación que está en su cabeza, lo que el llama momentos congelados, habitualmente inquietantes y que nos recuerdan a las películas clásicas de terror, gracias a una estética profundamente cinematográfica. Es evidente que directores cinematográficos tales como David Lynch o Steven Spielberg están presentes en la obra de Crewdson. 

En palabras del propio artista, dice haber estado siempre fascinado por la condición poética del crepúsculo y su poder de convertir lo ordinario en algo mágico y sobrenatural, algo que se evidencia en todas y cada una de sus fotografías, que se caracterizan por esas luces frías tan propias del anochecer combinadas con la luz artificial de vehículos, farolas, viviendas… y añadiendo toda clase de elementos recreados como la niebla o la lluvia.

Mi interés por Crewdson, radica por un lado su capacidad de recrear escenas completamente desconcertantes, como sacadas de una película de ciencia ficción, y por otro lado, el hecho de que la mayoría de las personas de sus obras parecen estar en otro plano. La sensación de que están pero no están es plenamente palpable, se hallan retratados con la mirada perdida, aparentemente no demasiado conscientes de sus actos. Otro elemento que me resulta realmente interesante de Crewdson es la inmensa cantidad de ventanas que aparecen en sus fotografías. Personalmente para mi trabajo me interesan bastante más las fotografías de medios planos, en las que retrata interiores.

Escuchando: White Blank Page ~ Mumford and sons

Halcones en la noche

Hablar de soledad en la pintura es hablar de Edward Hopper. Desde que entré en contacto con su obra “Nighthawks” mi manera de ver la pintura cambió radicalmente. A pesar de que a nivel técnico no lo considero uno de mis pintores favoritos, sí que lo considero en cuanto al tratamiento de las escenas que representa. Esas escenas cotidianas en las cuales puede sentirse una especie de silencio, un vacío entre los personajes que las completan, hacen que me sienta realmente identificada con su obra. Esa tendencia a establecer una especie de barrera invisible, el egoísmo y autoconfinamiento que desembocan en una soledad autoimpuesta son los principales puntos de interés que hacen que mi principal referente temático sea Hopper. Edward Hopper es uno de mis artistas favoritos al tiempo que una de mis principales influencias.

Para la mayoría de los europeos, el trabajo de Hopper confirma una idea preconcebida de América. En respuesta a las exposiciones del artista en Europa en los años 70, se sugirió que la causa no era ni por el estilo del artista. Lo que es muy americano es la temática. Las cualidades americanas de Hopper se hallan en aquello que elije pintar. Y esas escenas están doblemente influenciadas por dos facetas, primero, el uso de motivos que parecen típicamente americanos y por otro lado su amor por el detalle están como desfamiliarizados. Por medio de esta desfamiliarización, Hopper nos pretende mostrar las fracturas a través de la piel pintada de la vida moderna.

La mirada de Hopper acerca del paisaje hace un llamamiento a la arquetípica experiencia de la frontera, ese encuentro entre hombre y naturaleza que dejó su marca en escritores importantes como Poe. Simplemente como el mito de una naturaleza infinita se convierte en el vacío en Poe, así que tratemos de imaginar la naturaleza de Hopper tratando de metamorfosearse. Como si estuviese marcada por la civilización, muchos emblemas así como calles y vías del tren aparecen dando una visión de naturaleza no revelada a la mayoría de las obras de casas que Hopper pintó. Por esa razón, sus pinturas tienden a no ofrecernos un extenso panorama, sino acortar la los límites de la visión. Hopper normalmente lo sustituye por un interior que se ve a través de una ventana o una ventana limitada por casas o los iconos del mundo de la civilización para una vista de la naturaleza no restrictiva.

Hopper congela un arquetípico dinamismo en rigidez en sus escenas. Sus vistas de ventanas y escenas naturales deben de ser comparadas con imágenes similares del arte de la Europa romántica, que han realizado un intento de registrar el progresos de la civilización y el asilamiento de la humanidad de su entorno natural. Las escenas de  ventanas en la Europa romántico no sólo ha registrado la ausencia sino que además nos ha provisto de una trascripción de seguridad del mundo interior, una seguridad que incluye que nos examinemos de tal manera que nos convirtamos en cuadros románticos.

Pero la transformación de una nueva visión hacia un escrutinio interior también establece una nueva iconografía. Una visión del exterior que una vez bloqueada es reemplazada por una realista arte de interior, y el paisaje más allá de la ventana es reemplazado por un pasaje interior como si sólo la luz y el aire penetrase en el interior.

El trabajo de Hopper posee una transformación comparable, una similar transferencia al interés visual del interior. Hopper tuvo en cuenta factores psicológicos, no simplemente lo visible: una representación realista es utilizada como un sistema de signos en código que comunican unas bases inconscientes de una percepción consciente.

Realmente Hopper me parece interesante porque sus trabajos representan ese sentimiento de soledad y alienación del mundo. Pero no el rechazo de la sociedad, es algo más como un auto-aislamiento. Fue Hopper, de hecho, uno de los inspiradores de este proyecto. Su tendencia a establecer una barrera invisible, la soledad egoísta y autoimpuesta. Quizás sea porque aún soy un poco romántica – hablando del romanticismo del s. XIX – y toda esa tristeza me toca más que la felicidad. Tal vez sea debido a mi visión más bien nihilista de la vida, pero hay algo en el trabajo de Hopper que me hace sentirme en el interior de sus obras. Su trabajo me hace ser partícipe de toda esa soledad que sus figuras parecen estar sintiendo. 

Escuchando: No one's gonna love you - Band of horses

Ruscha

"I like the idea that an artist should never be questioned about what he does, because he actually deserves this right of artistic license...I've always felt like the number one rule is that there are no rules" Ed Ruscha.

Parece ser que a este artista norteamericano de la segunda mitad del siglo XX le influyeron tanto The Americans del fotógrafo Robert Frank como lo hizo la Ruta 66. Un paisaje que representaba peligro y libertad, entre medias del cielo y el infierno. Ruscha no estaba interesado en el automóvil en sí, sino en la iconografía de la ciudad que veía en él. Ruscha está interesado en la carretera como experiencia más que en el automóvil en sí.

Pasó una temporada huyendo de la pintura ya que no estaba de acuerdo con que lo encasillasen bajo la etiqueta del Pop art. Es por eso que abandonó la pintura convencional y comenzó una serie en la que utilizaba la mancha, ya fuese grasa, mermelada, aceite...o cualquier otro material no convencional para realizar sus obras.

Sus principales influencias eran los medios de comunicación de masas y el cine siendo su principal y mayor influencia el artista Jasper Jones. Otras de sus grandes influencias fue Sir John Everett Millais e incluso rápidamente asociaron su serie de gasolineras a una de las obras de Edward Hopper "gas".

A modo de apunte personal, considero que el poder de sugestión de las palabras representa un importante punto en la obra de Ruscha. Existen palabras que crean cierta excitación por algún mecanismo interno, sospecho ligado a las experiencias personales, que activa alguna conexión y provoca una sensación o un recuerdo. Es esa capacidad de crear una imagen o una sensación la misma que considero que poseen determinadas melodías, obras de arte, simples imágenes de la vida cotidiana o incluso colores. En cualquier caso, cosnidero importante esa relación texto - obra por la capacidad del texto de crear una imagen frente a la imagen sobre la que se halla o incluso la forma misma del texto.

Puesto que parte de mi principal interés radica en la relación imagen/texto considero que Ruscha es uno de los autores que más me están interesando recientemente.

Escuchando: Born to suffer - Xiu Xiu

Shigicelli ~ Santiago

"Estoy interesada en la percepción del mundo que nos rodea, pero también en la percepción de nosotros mismos en el mundo, transformando lo vulgar, un tema corriente, en una fotografía cargada de emoción. A veces en este acto de mirar lo cotidiano, lo familiar muestra su propensión a convertirse en algo extraño y ajeno. Esta sensación de extrañamiento se adueña del espectador a través del punto de vista subjetivo de mis fotografías, como narración en primera persona, que coloca al espectador dentro de la fotografía" Elisa Sighicelli 

Elisa Sighicelli es italiana. En al exposición que he sacado de la biblioteca se supone que aborda la otra cara de Santiago de Compostela, no la monumentalidad del casco histórico, sino la zona de pisos en alquiler, pisos de estudiantes...

Monta las fotografías en plexiglás y pinta la parte trasera del plexiglás de negro a escepción de las partes en las que la luz de los neones de diferentes potencias colocados deben dotar a la fotografía de una especial luminosidad. Creadora de atmósferas mediante fotografías de lo cotidiano y la alteración lumínica por medio de los neones.

Fotografía espacios ordinarios, sin efectos personales, extrañamente universales y que siendo muy próximos, paradojicamente parecen distantes. Subraya la cotidianidad, la hace presente y la torna desconocida. Fotografía cosas que ya conocemos pero como si fuese sólo en ese justo momento en que miramos sus fotografías cuando percibiéramos que esas cosas existen y que nosotros existimos.

Espacios en estado de espera que estuvieron ocupados pero que, ahora vacíos, esperan una siguiente ocupación. Existe una dualidad temporal, pasado momento en que fue tomada la fotografía con el presente de la luz no inicial de los neones de detrás de las fotografías.

Lo sublime de lo cotidiano. Sighicelli trabaja con la idea de "diario compartido". Al estar las habitaciones vacías, pretende evocar imágenes personales, sucesos íntimos.

La duplicidad de posibilidades sugeridas por las imágenes tan vacías y banales te hacen consciente de tu humanidad, de esas emociones ocultas bajo capas y capas. La soledad, el sentimiento de espera, el sentimiento que tanto nos ataca, la necesidad de que algo venga a romper con esa monotonía y aleje la desnudez de esta vida tan evidentemente desnuda. 

Escuchando: Electric Light - PJ Harvey